jueves, 29 de marzo de 2012

Cesare “Joe” Colombo

Este ícono del diseño nació  en 1930 en Milán en una clase burguesa. Estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Milán, pero también contaba con el título de  diseñador industrial y arquitecto. Cuando su padre cae enfermo, se empieza a encargar de su fábrica en 1958 donde aprovechó para experimentar con procesos de producción del plástico. Fue en 1961 cuando teniendo él 30 años de edad, que se retira del negocio junto con su hermano menor para dedicarse de lleno al diseño.

En los siguientes años se dedicó a innovar creando la primera butaca de fibra de vidrio llamada “Elda”, un asiento giratorio que aislaba al que se sentaba, así como una unidad móvil combi-centro y una cocina para Boffi, en 1965 crea la silla apilable “Universale” convirtiéndose en la primera silla hecha de un solo material, este diseño todavía se produce. Se caracterizó por crear espacios dinámicos, muebles flexibles y rodantes reflejando su gusto a ir de prisa, afición que lo llevo a viajar por el mundo e incluso llegar a diseñar coches de carrera.

Joe Colombo hizo grandes aportaciones al diseño de interiores provocando que varias de sus ideas construyeran los diseños más vanguardistas. Es por esto que muchos de sus muebles todavía se fabrican hasta la fecha: creó repisas que cuelgan del techo, así como copas diseñadas para poder sostener el vino y el cigarrillo al mismo tiempo con la misma mano. Un invento de Colombo fueron lo que llamó células: habitaciones que resolvían las necesidades de los hogares y que se podían trasladar en el interior de la casa.

Una gran característica de este diseñador es que no tuvo miedo de utilizar el plástico ya que en los 60´s era algo impensable, de hecho este elemento lo  podemos observar en varias de sus creaciones, lo hacía lucir como un material moderno y revolucionario además de que  le permitió crear interiores flexibles con gran versatilidad ya que las habitaciones  podían variar su tamaño y su colocación dentro de un mismo espacio.

Toda la gente que lo conocía coincidía en que era un genio. Sus colegas podían reconocer un talento especial en el para apreciar las cosas ordinarias y verlas de otra manera. Ponía especial atención al futuro, tenía muy claro que era lo que quería lograr y su estilo era mundano, o dicho de otra forma, para todos. No fue sólo eso lo que lo ayudó a triunfar sino que poseía un gran carisma, esto sumado con su gran capacidad lo ayudó mucho durante su carrera.

Desafortunadamente no vivió lo suficiente para ver todos sus logros ya que murió en 1971 el día de su cumpleaños al cumplir 41 años. Un ataque al corazón le impidió inaugurar su exposición “Italia: el nuevo paisaje doméstico”, que se encontraba preparando para el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue alguien que iba adelantado a su tiempo y gracias a él se debe gran parte del prestigio del diseño italiano, de hecho varios historiadores creen que fue él quien convirtió a Milán en la capital de diseño.

viernes, 23 de marzo de 2012

Arte Kitsch

Este estilo que solemos asociar muchas veces con palabras como, cursi, ridículo, pasado de moda y de mal gusto además de cargado, nace en Alemania denominándole así a objetos caracterizados por una falta de estética como producto del consumismo o un estilo de wanna be arte, todo depende de quien lo mire ya que para muchos es considerado “el antagónico del arte” mientras que para mucho otros es “una expresión artística diferente”.

Lila Dipp, artista tapatía que inició en 1988 a crear “arte objeto” con influencia Kitsch define esta rama artística  “como un arte de origen alemán que no puede ser traducido a nuestro idioma, sino sólo creado”. No es arte convencional como al que muchas veces solemos estar acostumbrados por ejemplo, esta artista utiliza cajas de madera, fotografías, flores secas, collares de perla, entre otras cosas para hacer sus obras.

De esta forma podemos darnos cuenta que el Kitsh no está tan alejado del arte, ya que posee características extrínsecas de el pero funciona como su negación. Para los moralistas del arte es una sustitución de la categoría ética con la categoría estética, no se trata de realiza un gran trabajo sino un trabajo agradable, podemos notar que le dan más importancia al efecto.

Historia
Aunque muchas personas no estén de acuerdo, se le considera algo más que sólo un movimiento decorativo. Su etimología es dudosa, pero se ha difundido que la palabra se originó en los mercados de arte de Múnich entre los años 1860 y 1870. El término era usado para describir los dibujos y bocetos baratos o fácilmente comercializables.
“Kitsh” no tiene ningún sinónimo en español pero su significado es muy amplio, surge de la necesidad de poder expresar la felicidad de una clase media que no poseía grandes metas intelectuales.

En el vocabulario alemán podemos encontrar kitschen, la cual está asociada al verbo Kitsch, este término significaba ‘barrer mugre de la calle’, y es por esto que el kitsch apelaba a un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Múnich que pensaba, que podían alcanzar el status que siempre habían soñado copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales.

Por medio de lo Kitsch se expresaba “el deseo de aparentar ser”, en este sentido todas las imitaciones y copias eran consideras como kitsch, agrupando también a los materiales que trataban de aparentar ser otra cosa, como por ejemplo, plástico que imite oro o cualquier otra cosa, tratando de proyectar otra clase social superior a la que verdaderamente pertenecían.

Los artistas de esta rama se limitan a buscar el placer por lo llamativo y es por esto que podemos observar una gran variedad de formas y colores, como fruto del consumismo llevándonos a encontrar con algo completamente fuera de lo funcional. Busca combinar, mezclar y hacer todo tipo de cosas fuera de la convencional, por lo que al observar los artículos de forma individual lucen muy distintos que observándolos de forma grupal.

Características
·         Es un estilo que presenta de manera exagerada el uso de formas y colores, además utiliza elementos considerados como antiestéticos.
·         La rama de colores se basa en tonos vivos y contradictorios, predominando colores rojos, rosas, violetas, verdes y amarillos.
·         Utiliza texturas muy variadas como el alambre, las pieles sintéticas, el cristal, el plástico y el papel.
·         Muebles de formas extrañas, accesorios pocos convencionales que no se relacionan entre sí. Buscan ser llamativos y originales.
·         Posee tres características principales: el de enviar un mensaje, producir masivamente el arte y que el consumidor acepte esta “mentira estética”.

viernes, 9 de marzo de 2012

Arte como nunca lo habías visto

En esta ocasión queremos presentarles 3 artistas plásticos que utilizan técnicas increíbles para realizar sus obras, los invitamos a conocer su trabajo:

El coreano Kim Dong Yoo presentó en la galería HastedKraeutler de Nueva York una colección de pinturas a gran formato que a distancia parecen ser retratos de personajes que van desde John F. Kennedy hasta Michael Jackson, pero, si se acercan lo suficiente a la pintura, podrán ver que cada imagen es creada por cientos de retratos pequeños de otras celebridades como Marilyn Monroe o Madonna por ejemplo.

Aunque la serie parece creada digitalmente, en realidad es un proceso completamente hecho a mano en el que Dong Yoo pinta cada una de las pequeñas imágenes para formar el retrato mayor. El artista comenzó esta colección en la década de los noventas y produce solo de tres a cinco pinturas al año.


Lo que Kim Dong busca con éste trabajo es crear sentimientos en el espectador a través de la dualidad del mundo digital y el analógico y de la armonía y competencia que coexisten en cada pintura.

Julie Bender lleva varios años presentando su maravilloso trabajo. Su amor por la naturaleza y la fauna es evidente en cada una de sus piezas. Con herramientas de varios tipos y tamaños, Julie raspa y quema sus dibujos en madera de maple logrando un efecto verdaderamente realista.


Desde el pasado 3 de marzo sus retratos se encuentran en la exhibición NatureWorks en Tulsa, Oklahoma apoyando a una organización sin fines de lucro que trabaja para la conservación de la fauna.

La artista Hong “Red” Yi creó este espectacular retrato del cantante Jay Cou utilizando marcas dejadas por una taza de café. La obra está inspirada en una canción de Cou llamada “Secret”.


“Red” tardó doce horas en terminar la obra ya que es un trabajo bastante minucioso en el cual debía tomar en cuenta la cantidad de agua y café de cada marca para lograr el efecto que deseaba. Te invitamos a ver, en el siguiente video, el proceso de como se llevó a cabo esta obra: